Jazz PIJ Javeriana

La vanguardia de la música hoy en día

2011-09-05T09:03:00.000-07:00

Tres propuestas musicales que el mundo tiene que conocer

Por el estudiante Jaime Pinilla

Hoy en día a los músicos de todo el mundo, les surge la necesidad de conocer las propuestas que otros músicos están desarrollando a nivel mundial. Las comodidades que nos da la tecnología hoy en día, nos permite comunicarnos con cualquier lugar del mundo prácticamente instantáneamente, y esto facilita la tarea del músico de conocer a sus colegas en todo el mundo. El hecho de tener la posibilidad de saber lo que pasa a nivel mundial de la música es una de las mejores ventajas que tiene el músico para estar a la vanguardia de lo que hace en su trabajo personal.

Pero la facilidad de las comunicaciones puede llegar a convertirse también en un arma de doble filo. Apoyo completamente la idea de Alejandra cuando dice que la música comercializada en masa por los medios de comunicación y redes sociales, muchas veces no es lo que en realidad es bueno. En la gran mayoría de los casos, es solo la música o producto que vende más que cualquier concepto artístico bien fundamentado. En estos casos, se pierde demasiado el concepto artístico de la música. Por esto creo que la distribución en masa no es lo que más aporta a la vida personal de un músico, sino que se sienta a gusto y conforme personalmente con su trabajo.

Tengo tres propuestas que en mi opinión son muy interesantes.

La primera proveniente de Bogotá, el grupo Zaperoco. Compuesto por músicos reconocidos en la escena del jazz nacional como Cesar Medina, Kike Mendoza, William Maestre, Tico Arnedo y Pedro Acosta. En esta ocasión les dejo el link del grupo, donde encontraran tres temas del segundo disco de Zaperoco, titulado “Edificio Colombia”.

http://www.myspace.com/grupozaperoco

La segunda propuesta es proveniente de España. Un grupo llamado “Muchachito Bombo Infierno”. Un grupo con una propuesta bastante interesante de fusión entre ritmos caribeños y música tradicional española. Es de mis grupos favoritos en la actualidad, por los increíbles arreglos en la sección de vientos que generan. El tema que les dejo se titula “azul”, y es de su segundo disco “Visto lo visto”. También les incluyo el link del grupo para los que quieran conocer más su propuesta, y donde podrán escuchar su último disco “Idas y vueltas”

http://www.muchachitobomboinfierno.com

Mi última propuesta es un concepto diferente a lo tradicional, un proyecto que se manejo durante finales del 2010 y primer semestre del 2011. La Bogotá Improvisers Orquesta. Un proyecto que en mi concepto tuvo una propuesta muy buena y que debería repetirse en algunos años. Espero se lo gocen.

No hay bonito ni feo

2011-08-30T09:10:00.000-07:00

Tres propuestas musicales que el mundo tiene que conocer

Por el estudiante Jose Miguel Rodríguez

Con el pasar de los años la música ha sufrido transformaciones en todos sus aspectos. Podemos encontrar hoy en día infinidad de ritmos, melodías, instrumentos y propuestas musicales extraordinarias o locas como las quieran llamar.

La música es tan grande y tan hermosa que se deja trabajar de mil maneras con muchos o pocos instrumentos, muchas veces con cosas que simplemente transmitan sonido. Desde mi punto de vista creo que no se puede clasificar entre lo que es feo o bonito en un contexto musical pues como decimos nosotros entre gustos no hay disgustos. El mundo de hoy es muy diverso y siempre hay público para todo, podemos encontrar personas que tienen su mente abierta a todo tipo de música.

Hace pocos días me invitaron a una capacitación para aprender el idioma de los sordos, la lengua de señas. La capacitación la daba una señora de escucha y un señor sordo, duramos dos días en talleres y charlas para lograr comprender y aprender un poco sobre este idioma que es bien interesante. Después de acabada la capacitación al segundo día me senté a dialogar con Rolando el señor sordo. Le pregunté que el que sabía de la música, que si la percibía, cómo eran sus sentimientos cuando veía un pianista tocando y ver las expresiones de las personas o del mismo pianista, a lo cual es me respondió:

Yo no escucho absolutamente nada, siempre me siento frustrado, la gente me dice que el piano es hermoso, la música es hermosa con ella se puede amar, llorar, reír, protestar, y mil cosas……

Me contaba que tiene esposa, quien igualmente es sorda, me decía que siempre veía a las parejas darse serenatas con hermosas melodías lo cual nunca podrá hacer. Por último dijo lo siguiente: en mi vida nunca me he molestado o sentido mal por mi problema, pues puedo hacer las mismas cosas que hacen las personas con escucha, pero lo único de lo que sí me he sentido en desventaja ante los demás es de no poder disfrutar de la música. Yo bailo en fiestas pero solo lo hago por imitación, siempre he querido escuchar la salsa, así sé que podría bailar mejor, dedicar canciones. Me he imaginado tocando algún instrumento, he intentado con instrumentos de percusión pero no puedo llevar un ritmo estable ni tampoco puedo saber que ritmo estoy tocando.

Por un momento intenté ponerme en los zapatos de este hombre y llegue a una conclusión. Perderse de ese grandioso mundo de la música debe ser algo bastante incómodo pues es algo que nos representa, que nos da medios de expresión y por lo cual no comprendo cómo personas teniendo sus oídos sanos no los aprovechan, no los ponen en uso, no solo para comunicarse si no para adentrarse y untarse de la música que no hace daño que enriquece sin necesidad de ser músico.

Bueno ya que he hablado tanto de música y propuestas nuevas o innovadoras quiero mostrarles tres propuestas las cuales considero el mundo debe conocer por lo curiosas que son y lo fácil que atrapan a quien las escucha.

BLUE MAN GROUP

Este grupo es conformado por tres hombres Phil Stanton, Chris Wink y Matt Goldman, el grupo es de origen norte americano desde la década de los 80.

Ver el aspecto físico de ellos ya deja grandes expectativas para querer escucharlos. Sus caras cubiertas por una pintura azul brillante y sus cabellos cubiertos por un gorro azul de látex, sus manos pintadas del mismo azul y con prendas negras.

Entrando ya en el espectáculo y en lo musical estos hombres no están siempre solos, en la mayoría de conciertos tienen un grupo a sus espaldas para acompañarlos. La música que ellos hacen es un rock muy normal mezclado con algo de música electro a lo cual le agregan el sonido de unos tubos estratégicamente cortados y armados para dichos sonidos, los tubos siempre tienen micrófonos y son siempre tocados con baquetas. Ellos no solo hacen música pues viéndolos en el escenario podemos ver como combinan la música con un poco de comedía.

La puesta en escena de este grupo es algo también de admirar, utilizan pintura y lluvia cósmica para hacer del show algo más interesante.

VIDEOS RECOMENDADOS.

MYSTERGUITARMAN

Joe Penna más conocido como Mysterguitarman. Nació en Sao Pablo Brasil, actualmente vive en Los Ángeles, California. Es el brasileño con más subscripciones en internet. Sus videos más que musicales son innovadores y chistosos, a pesar de que Joe estudió medicina en la universidad de Massachusetts mientras realizada sus estudios dedicaba sus ratos libres para producir videos online. El método de Joe es que sus videos además de tener todo tipo de música tienen un arduo trabajo de edición y el toque de humor.

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IGUDESMAN Y JOO

Aleksei Igudesman y Richard Hyung-ky Joo es un dúo de música clásica, quienes usan las canciones más conocidas del género para ponerles un poco de humor y atraer a todo tipo de público entre jóvenes y viejos.

Igudesman y Joo se conocieron a los 12 en la escuela Yehudi Menuhin en Inglaterra, desde ese momento han sido inseparables, siguiendo los pasos de comediantes como Victor Borge, Dudley Moore y Julian Rachlin. En 2004 crean su propio espectáculo “A litlle nigthmare Music” desde ese ese momento han viajado por muchas partes del mundo tocando con grandes orquestas e innumerables escenarios.

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La música que dice las palabras que no pueden ser dichas

2011-08-30T08:33:00.000-07:00

Tres propuestas musicales que el mundo tiene que conocer

Por el estudiante Juan Macías

Hay muchos tipos de música, para todos los gustos, para todas las edades colores y religiones. Es casi imposible que una persona no sienta placer aunque sea hacia una pieza de cualquier época. Es que la música siempre ha estado presente en todas las culturas y se ha desarrollado de la mano con la civilización. Por lo que la música no es solo un instrumento para divertirse, sino también para comprender mejor el mundo y es por eso que la visión de los músicos sobre el mundo y en general del artista debería ser siempre escuchada y tenida en cuenta. La música siempre ha estado ahí para decir las palabras que no pueden ser dichas.

Bueno sin más perorata, con la cual estoy seguro los aburro, aquí van mis tres ejemplos musicales.

En primer lugar tengo el placer de presentar, no tanto un artista sino un tipo de técnica vocal que viene del oriente y más precisamente de Mongolia llamada “Throat singing”.

La particularidad de esta música es que el cantante no usa las técnicas convencionales utilizadas en occidente donde suena la nota que el intérprete canta, sino que en este tipo de música suenan los armónicos de la nota que el intérprete realiza.

Para comprender lo que estoy diciendo o tratando de decir, se tiene que entender que cuando se toca una nota (frecuencias) hay notas (frecuencias) secundarias que se escuchan difícilmente, pero se saben que están ahí. Los armónicos son por lo tanto esas notas secundarias de la nota fundamental (la nota que generalmente se escucharía, que se quiere tocar). Por lo tanto podemos ver que el interés de la técnica “throat singing” es que se escuchan los armónicos o sea las notas (o frecuencias) secundarias en vez de la nota fundamental.

Esto hace que se produzca un sonido muy particular , extraño, al cual no estamos acostumbrados ya que no corresponde a los parámetros de la música occidental.

He escogido por lo tanto un ejemplo del “throat singing” como sugerencia debido a que lo considero distinto y además porque me agrada el sonido que se produce gracias a esta técnica.

Aquí el video

El segundo ejemplo que quisiera mostrar es través una de las obras que revolucionó gran parte de la música occidental de mediados del Siglo XX. Esta obra se llama “4:33” y es escrita por John Cage. La particularidad de esta obra es que no posee ninguna nota escrita. El objetivo es que un solista se quede en silencio durante cuatro minutos y treinta y tres segundos. El quiz de esta obra es demostrar que al ser humano le es imposible quedarse totalmente callado y recordarle a los músicos que la música está compuesta de sonidos y silencios. Sin embargo esta pieza y en general gran parte de la obra de Cage ha provocado un gran debate entre los críticos musicales que se han interrogado si esto verdaderamente es música o no ya que mucha formación musical para interpretar esto, pero sobre todo los desacuerdos se deben a que la definición de música provoca hoy en día debate(en parte gracias a artistas como Cage y tantos otros).

En todo caso, mientras los críticos se ponen de acuerdo, me parece importante mostrar este ejemplo como sugerencia y invitarlos a buscar más sobre la obra de este autor y de este género musical si no lo han hecho ,para que posean una opinión objetiva frente a él. Aquí les dejo el ejemplo que a muchos les parecerá algo muy nuevo , pero a otros les parecerá muy “cliché” sin embargo¿ Otra vez este man con su Cage?

Por último, es bien sabido que la música siempre ha recibido influencia de los demás artes y esta a su vez la ha dado influencia a las otras artes. Ha habido incluso veces en que la música se ha mezclado con los otros tipos de arte. Todos hemos oído hablar de comedias musicales por ejemplo. Sin embargo, son raros los casos en el que el mismo música hace teatro a través de su interpretación. Son muy pocos los casos en que interpretación musical teatral y musical sean una misma cosa así como lo hace Victor Borge un pianista que realiza diferentes piano sketchs en los cuales ridiculiza un poco a los músicos incluso. Sin más perorata y sin enredarlos más, dejemos que el mismo Borge nos cuente de lo que estoy hablando.

Transformar y construir

2011-08-21T19:47:00.000-07:00

Tres propuestas musicales que el mundo tiene que conocer
Por la estudiante Alejandra Castiblanco

Evidentemente a diario en el mundo musical nos topamos con propuestas cada vez más diferentes e innovadoras, y esto probablemente debido a la necesidad netamente humana de transformar y descubrir más lo que poseemos. Si bien es cierto que todas estas nuevas propuestas no siempre parecen ser de nuestro gusto es interesante como músicos conocer lo versátiles que son algunos géneros y así mismo ver la visión musical del mundo de ahora, el cual así como nos muestra a diario formas diferentes a las convencionales , también nos muestra que cada día pueden ser más limitadas las posibilidades de mostrarnos al mundo debido a la gran demanda musical.

Así como me gustan muchas bandas o ensambles que han querido proponer otras cosas también me parece que otros son basura, en mi opinión gran parte del éxito de estos se debe al poder que tienen los medios, por eso creo que lo importante es hacer buena música recordar que sin importar la época, el estilo o el gusto la música es el alimento del alma , que lo bueno es disfrutarla y sentirnos felices en el quehacer , porque de lo contrario todo sería un sin sentido.

Aquí tres propuestas que me han parecido bien interesantes.

-Mnozil brass es un ensamble de metales australiano caracterizado por su humor a la hora hacer música, me gusta porque nos muestran que no siempre la puesta en escena tiene que ser un asunto de gran seriedad y ademas que buenos músicos son !!!!

-Blast es una agrupación de músicos percusionistas (y en algunos casos de viento) bastante talentosos que se dedican a hacer música con unas propuestas muy interesantes en cuanto a la forma de ensamblar y organizar sus actos.

-Marillion es sin duda una de mis preferidas, con una propuesta del estilo rock épico o progresivo bastante interesante, han llegado a ser uno de los grupos mas reconocidos en el Reino Unido por su peculiar expresión artistica en álbumes y vestuarios.

Tres mundos de la música

2011-08-19T08:27:00.000-07:00

Tres propuestas musicales que el mundo tiene que conocer

Por la estudiante Ana María Cortés

En la antigüedad, específicamente en el romanticismo, en muchas ocasiones se habló de que el proceso musical había llegado a su máximo desarrollo y había culminado con Wagner quien en medio de toda esta corriente expresiva liderada por Schubert y Weber presento su obra “Tristán e Isolda”. El juego de tensiones y disonancias que no llegan a una resolución clara primaron en esta obra, algunos decían que era necesaria una resolución apropiada. Sin embargo este nuevo método de composición rompió con el pensamiento y abrió paso a otras formas musicales.

Ahora bien, creo que cada uno mira el desarrollo de la música de distintas formas, a mi me gusta pensar en el proceso musical de la siguiente manera: la música inició como una semilla que a lo largo del tiempo creció y sin darnos cuenta se convirtió en un árbol, un árbol tan grande que cubrió la vista del Burj Khalifa, la construcción más alta del mundo. Si te fijas en el tronco es sólido lo que significa que puede soportar muchas cosas. Si te acercas un poco más, te darás cuenta que la corteza del tronco tiene unas marcas en forma de caminos y que ellos se unen para irse hacia una misma rama, ahora estas mirando un poco más arriba y te das cuenta que el árbol tiene muchas ramas que serían los diferentes tipos de música y que esas a su vez se dividen en unas más pequeñas que son los estilos que se derivan de esa ramita grande, que es el género. Cada rama es única y tiene un cuidado especial y si volvemos a los términos musicales esos cuidados especiales son los instrumentos y las formas características de cada género. Pero resulta que solo estás viendo un lado del árbol, te falta la otra mitad entonces tienes que mirar cada ramita para poder llegar a esas otras. Pero antes de hacerlo te das cuenta que también hay cosas interesantes en la cima y te acercas a mirar, te das cuenta que las ramas están enredadas y hay hojas creciendo en la unión de las ramas esas son las mezclas y podría decir que hay dos tipos de mezclas aquellas que se hacen uniendo dos géneros y aquellas que surgen de la mezcla de timbres en donde se introducen instrumentos nuevos a la hora de interpretar una obra.

De esta forma me gusta ver ese desarrollo musical, no solo depende de nuevos géneros, también viene de los timbres y las intenciones del compositor, por ejemplo, cuando hablamos de géneros musicales nuevos como el Tango Electrónico se menciona en primera instancia el trabajo de “Bajo fondo”, pero me parece que otra propuesta musical muy interesante es la que hace “Otros Aires”, también es Tango Electrónico pero al ser un grupo diferente sus propuestas son de otro estilo :

La anterior era una muestra de su trabajo, que resulta ser muy amplio, es posible que no sea nuevo para muchos pero para otros si lo es y aunque su propuesta es muy similar a la de “Bajo Fondo” me parece que es importante mostrarlos.

Otra propuesta interesante que encontré es la siguiente, ella se llama Esperanza Spalding y hace una propuesta con el Jazz como elemento principal diferente en términos de acompañamiento y en términos de estilo.

Por último me gustaría compartir la siguiente propuesta:

si bien la última forma musical se ha vuelto un poco más popular no deja de ser una de las importantes y mas particulares propuestas de la actualidad.

Creo que hasta el día de hoy hay muchas propuestas musicales que han venido surgiendo de experimentar con nuevos sonidos, y esto abarca, nuevas mezclas, instrumentos nuevos, nuevas intenciones, y es importante enterarse de ellas para saber en qué punto podemos hablar de el culmen de la música y en qué momento nos toca parar de avanzar y proponer cosas nuevas y empezar a repetir lo ya hecho.

Soluto, Solvente y solución

2011-08-19T07:28:00.000-07:00

Tres propuestas musicales que el mundo tiene que conocer

Por el estudiante Isaac Matus

Mezclar géneros musicales está convirtiéndose de alguna manera en una moda, que por el hecho de serlo no deja de innovar. En mi opinión, tres bandas en particular han sabido jugar con diferentes géneros musicales como si estuviesen en un laboratorio químico.

Las fronteras y las diferencias culturales son conceptos que al parecer no conocían ni Omar Rodríguez- López ni Cedric Bixler- Zavala, cuando el puertorriqueño y el estadounidense fundaron The Mars Volta en el 2001. Aunque esta banda ha sido catalogada como una de las mejores bandas de prog-Rock del momento, el nivel de la banda les podría dar más reconocimiento. El estilo progresivo y psicodélico mezclado con música e instrumentos latinoamericanos sin dejar a un lado su vocación, el rock, ha sido de gran importancia para el crecimiento de esta banda ya que gracias a esto han podido innovar en el mundo de la música. La banda establecida en México parece querer continuar involucrando sus raíces musicales y sus influencias en su música, es por eso que The Mars Volta, “tiene el Factor X”.

Otro video recomendado de The Mars Volta

Puerto Rico, como todos lo saben es la tierra del reggaetón al igual que de la salsa (al igual que Cuba), sin embargo el rock es conocido por ser uno de los géneros con menos fronteras en el mundo, así que si tomamos la salsa como soluto, y el hardcore /metal como solvente, podríamos tener una solución sabrosa pero peligrosa. Puya, ha conseguido con esta mezcla, poner a bailar al metalero y a pogear al salsero.

“Recupera tus raíces”, es uno de los mensajes de Huevo Atómico, que ha logrado importar el género más representativo de Jamaica hasta las entrañas de Colombia. La banda de reggae, con tan sólo una publicación ha podido empacar en una sola maleta el reggae, el folclor colombiano sin dejar por fuera algunos detalles rockeros. Visita este link para escuchar su música

Sobre el la propuesta y el concepto artístico!

2011-07-28T08:36:00.000-07:00

Hoy en día existe una amplia oferta de sonidos disponibles en la red, listos para ser escuchados por un público objetivo que cada vez es más difícil de medir gracias a la participación de más y más gente en la web 2.0. La web ha sido un potenciador de una gran cantidad de música pero a la vez le impide a muchas otras propuestas trascender debido a que pueden verse perdidas en un mar de proyectos musicales independientes con infinidad de gamas de calidad.

Es en este punto donde la propuesta artística es un común denominador de los proyectos que son exitosos dentro de sus objetivos. Una propuesta atrevida, interesante, que transmite, que tiene alcance, visión hacia el futuro, que se permite experimentar y que está en búsqueda constante del sonido tiene mayores posibilidades de llegar lejos.

A la vez, llegar a una propuesta artística de estas características toma tiempo, no es algo que necesariamente haya que buscar, se filtra a través de las experiencias de cada músico y llega en el momento adecuado si se tiene el suficiente aguante. Lo que sí necesita es estar con los oídos sedientos de música, una actitud abierta hacia la música, una personalidad inquieta y emprender una búsqueda musical insaciable.

Esto es lo que no se aprende en los libros, esto se desarrolla en la práctica, una práctica consciente. La agrupación The Bad Plus es un excelente ejemplo de una propuesta artística con un concepto que reúne las características nombradas anteriormente. Aquí una versión de la bien conocida canción de Nirvana, Lithium.

Otra propuesta muy interesante es la del dueto Pomplamoose. Ellos son una pareja que se ha desarrollado haciendo "VideoSongs" este formato de canciones hechas a través de la grabación en video es una muestra que engancha al público por medio de una experiencia musical poco convencional.

Ok Go es otra propuesta que integra la música con el video o con la imagen. Ésta es muy atractiva, de altísima calidad y sobre todo divertida.

En la industria de la música independiente actual me atrevería a decir que todo se reduce a el impacto de la propuesta artística y el concepto que ésta transmite. Este es el camino que debemos emprender los músicos en formación. Mas allá de la técnica y los tecnicismos que, aunque son indispensables, una buena propuesta es la encargada de llevar lejos a un proyecto musical.

Pronto más ejemplos!!

Tres Propuestas Musicales

2011-07-15T17:02:00.000-07:00

Tres propuestas musicales que el mundo tiene que conocer

Por la estudiante María Alejandra Bulla

BEIRUT “LA LLORONA”

La búsqueda de un sonido distinto y original es sin duda un elemento que se ha convertido en un factor común para las agrupaciones de la actualidad. Este grupo lo ha logrado con el uso de instrumentos poco convencionales en su género (voces, trompeta, ukelele, piano, acordeón, batería, contrabajo, eufonio, trombón y tuba), la influencia de sonoridades de varias culturas del mundo, un llamativo estilo de composición y una original propuesta de video. “La llorona”, hace parte del álbum “March of the zapotec”, en el cual sacaron a relucir toda su influencia mexicana, donde no dejan espacio para las barreras culturales entre lo “latino” y el resto del mundo occidental.

SURICATO “MARIPOSAS”

http://www.myspace.com/suricatoavant

Distintas generaciones del jazz bogotano se dieron cita en esta agrupación vanguardista que sería injusto y poco apropiado encasillarla en un género específico. La mezcla de instrumentos e intérpretes es explosiva y sin duda su inusual formato le da un color inconfundible. Kike Mendoza en la guitarra, Kike Harker en el contrbajo, Sebastián Cifuentes en el trombón, Jorge Sepúlveda en la batería y María Mónica Gutiérrez en la voz, son los artífices de esta novedosa propuesta. Para un conocedor de la escena musical capitalina, basta con ver esta lista de nombres para llenarse de espectativas y tener un adelanto de la calidad de esta argupación. “Mariposas” es una canción que muestra la escencia del grupo: el factor sorpresa. Un inicio pausado y repetitivo de la guitarra, la entrada brusca e inesperada de la batería y el contrabajo, una melodía en el trombón, y finalmente llega una voz dulce e inocente con letras infantiles que cambia inevitablemente el diálogo que los instrumentos tratan de entablar.

TUNE YARDS “REAL LIVE FLESH”

Para tener un gran sonido y una puesta en escena llamativa, el uso de tecnologías en vivo es una gran opción. Los cantantes cada día encuentran más opciones para explotar sus voces y con la tecnología han borrado las fronteras de lo imaginable. La agrupación “Tune yards” nos muestra que la búsqueda de nuevos sonidos aún está abierta, y con un ukelele, un bajo eléctrico, percusión y una inmensa y versátil voz que se multiplica con un “loop station”, nos atrapa a todos con una estética distinta que nuestros sentidos abiertos estarán siempre dispuestos a recibir.

Tres Propuestas Musicales

2011-07-12T17:20:00.000-07:00

Tres propuestas musicales que el mundo tiene que conocer

Por el estudiante Sergio Salazar

Para empezar este trabajo es importante mencionar que en la actualidad es muy difícil calificar que es arte y que no es arte ya que actualmente todo es considerado arte, desde la pintura más hermosa hasta un pedazo de popo en la mitad del desierto .Desde un punto de vista subjetivo, el arte debe tener una fundamentación por el artista y debe estar basado en algo, por esto es necesario hacer una búsqueda profunda do lo que yo considero que es arte.

Teniendo en cuenta lo anterior, he pensado en las siguientes propuestas musicales:

Squirrel nut zippers:

Esta propuesta me parece muy interesante porque es una fusión de jazz con gipsy punk o rock gitano. Además de fusionar estos dos géneros que parecen tan lejanos, su propuesta es hacer la música con relación al video y crear historias que para el espectador son innovadoras, son llamativas, son extravagantes, son fuera de lo común.

Otros videos que vale la pena mencionar

Squrrel Nut Zippers "Hell"

Squirrel Nut Zippers - The Suits Are Picking Up The Bill

Jacques Loussier trio:

Me parece que esta es de las propuestas más innovadoras ya que consiste en fusionar la música clásica con el jazz. Es hermoso escucharla debido a que los dos géneros son relajantes, es música muy digerible y además es intrigante ver como se relacionan entre ellos. Me parece importante que el mundo lo conozca ya que este personaje logro hace algo que muy pocos logran hacer, crear un genero nuevo.

Jacques Loussier & Bobby Mcferrin- Bach Anniversary Leipzig

Jacques Loussier - Italian Concerto - Allegro

Diablo swing orchestra:

Esta es definitivamente la propuesta más extraña de todas ya que es la combinación de muchos géneros muy disparejos que juntos suenan extraordinariamente acoplados, recomiendo este grupo por la propuesta musical tan arrolladora y espeluznante, disfrútenlo.

Diablo Swing Orchestra - Ballrog Boogie

Diablo Swing Orchestra - Ragdoll Physics

LA MÚSICA EN EL MUNDO

2011-07-04T16:48:00.000-07:00

Tres propuestas musicales que el mundo tiene que conocer

Por el estudiante Diego Felipe Rojas

En la actualidad vemos que existen millones de bandas las cuales podemos conocer por medio del internet, pero la pregunta es, que tienen de diferente algunas de estas bandas que hacen que queramos que el mundo o las personas a nuestro alrededor conozcan acerca estas? Es por esto que quiero rescatar tres de las muchas bandas que tienen una propuesta y concepto diferente que las hacen ser especiales y sobresalientes en el infinito y profundo mundo del internet.

CLUB VERBRUGGE

Una propuesta muy interesante es el cuarteto de jazz Club Verbrugge ya que tienen un formato y una propuesta diferente de la común. Con un formato bastante simple logran nvolver al oyente en su magnifica interpretación. Además que combinan varios ritmos como el bembé con el swing haciendo que suene diferente y atraiga mas al oyente.

MEZZOFORTE

Esta agrupación que más que todo es una orquesta es bastante interesante porque además de su excelente sonido y virtuosismo, estos islandeses logran darle un ambiente caribeño o latino a su jazz-funk. También es bastante interesante porque hacen cosas que no son muy comunes en otras propuestas lo que los convierte en una propuesta diferente y bastante buena.

HOLAMBIA

Esta agrupación es el resultado de la mezcla cultural de 4 colombianos (Uber Ocampo - Jose Juvinao - Juan Guillermo Aguilar - Juan Diego Valencia) y 4 holandeses (Rik Mol - Ben Van Den Dungen - Joost Swart - Maite Hontelé) causando que esta agrupación sea bastante interesante debido a que se mezclan ritmos colombianos o latinos especialmente la salsa con el jazz. Por otra parte vemos que esta agrupación es netamente instrumental haciendo posible la incursión de bastantes solos.

Gamín

2011-06-06T15:55:00.000-07:00

Gamín - Kike Mendoza

Reseña discográfica por el estudiante Camilo Vélez

Jazz contemporáneo, un género bastante amplio y difícil de definir. Una forma de expresión, un lenguaje. Todo esto se encuentra en el álbum del compositor e intérprete colombiano Enrique “kike” Mendoza, “Gamín”.

Esta obra maestra, grabada en el 2009, es sin duda uno de los trabajos de jazz contemporáneo más importantes de Colombia, y de Latinoamérica. El viaje se divide en dos ciudades, Buenos Aires y Bogotá. En el tema “Bajo el Agua” se percibe un ambiente frio y desolado, en el cual el oyente es obligado a mirar en su interior, cada detalle, cada nota, nos llevan a lugares nunca antes vistos.

Después, en “Jauría” el ambiente cambia, es un ambiente más cálido y nos lleva a lugares que tienen otros ambientes, cambia la textura. La combinación de los timbres de la guitarra, el saxofón alto y el tenor dan un sentimiento distinto. La improvisación de Mendoza en este tema es simplemente impresionante. Desde mi punto de vista, en ese "solo" Mendoza logra recopilar sus experiencias. Es como una ventana a su alma. Creo que de eso se trata la improvisación, es una forma de comunicarse y abrir el alma al oyente, o simplemente una forma de desahogarse.

En “Calma” se percibe la nostalgia de Colombia. Que el álbum haya sido grabado en Bogotá y en Buenos Aires ya es un gesto definitivo de un estilo de improvisación. Se nota claramente el cambio de ciudad entre los temas.

En los temas del comienzo el ambiente es un poco más calmado, la música es más tonal, pero a medida que la música avanza, se va volviendo más libre, se vuelve más denso, especialmente en “Mi perrito”, en donde se siente casi como una improvisación colectiva en la cual la guitarra tiene la palabra absoluta, todos la siguen. Es como si Mendoza fuera el director, y los otros músicos reaccionaran a sus ideas, las complementaran.

Creo que éste álbum es simplemente, genial. Mendoza combina distintos ritmos como el Jazz y el Funk lo cual hace del álbum una experiencia inexplicable. Con seguridad es uno de los trabajos discográficos más representativos de la década pasada en el Jazz colombiano y cualquier persona que esté interesada en escuchar algo de talento colombiano, este álbum debe una adquisición segura.

1. Bajo el Agua
2. Jauría
3.Calma
4. Distraído
5. Inevitable
6. Ríe
7. Luz
8. Mi Perrito
9. Un cuento Corto
10. Pálpito

http://www.myspace.com/kikemendoza2002

Tengo Gusanos

2011-05-22T17:20:00.000-07:00

Tengo Gusanos - Juan Pablo Villamizar
Reseña discográfica por el estudiante Juan Guillermo Vásquez

Juan Pablo Villamizar ha sido siempre un artista característico de la escena. Su evolución musical lo ha llevado a sonidos nuevos y diferentes, y han expuesto su búsqueda por encontrar un estilo que lo exprese de una manera excepcional. Este guitarrista, compositor y productor colombiano, comienza su trayecto musical en la guitarra a los 17 años. Su carrera ha estado marcada por sus diferentes proyectos musicales, desde el rock de “la cirugía” hasta impresionantes cuartetos de cuerda. Su sonido en este proyecto evidencia su versatilidad estilística y calidad profesional, resaltando una etapa musical especial en su carrera, en la cual ha trabajado con artistas como Cicatriz, Cotti e incluso Juanes.

El álbum “Tengo Gusanos” es una aventura sin vuelta atrás. Es un viaje de expresión temperamental, crítica y crudeza hacia un rock pesado que vibra en el oyente. Comienza con un acorde resaltante, que llama la atención inmediatamente, para continuar con una introducción de carácter pesado. Villamizar no solo utiliza la estridencia de las guitarras para crear y desarrollar, sino también una serie de sonidos de tensión previos a una explosión, manteniendo una intriga impresionante dentro del oyente.

Una característica primordial de todos los temas del álbum es la letra. Su lenguaje crudo y coloquial es tanto musical y efectivo como adecuado para expresar la fuerte crítica a la injusticia, la traición y la violencia. Estas letras forman el alma reaccionaria del disco, que involucra directamente a la ideología de Juan Villamizar. No sobra decir, que canciones como “Lo Mataron” y “Más Mentiras” tienen un ritmo lirico muy pegajoso que atrapa.

El sonido es simplemente impresionante. La calidad de grabación, mezcla y masterización, son de primer mundo. Este sonido sobrepasa la escena local, y ubica a Villamizar a un nivel de sonido internacional. También se destacan las composiciones y arreglos de los temas en general. Estos constan de formas simples, pero efectivas, que junto con riffs rítmicos y pegajosos, solos melódicos y virtuosos, y un toque de sintetizadores y efectos electrónicos te hacen mover a cabeza y sentir la esencia musical de cada obra.

Después de haber escuchado casi todo el álbum, se cree que ya se ha dicho todo el discurso. Sin embargo, me encantó el contraste de los últimos 60 segundos del álbum, en que un piano sutil y misterioso, opuesto en cierta forma al resto de los temas, toma el hilo como protagonista y lo va llevando a silencio de una manera chocante y extraordinaria. Es un final que marca el contraste que hace falta, y desvanece la estridencia hasta llegar a la nada.

TENGO GUSANOS
1.     Gusanos
2.     Perra
3.     Lo mataron
4.     Más mentiras
5.     Y me pierdo
6.     Hps
7.     Volveré

Voz: Mario Serrano
Batería: Waldo Madera
Guitarras, Bajo, Teclados, Piano, Percusión, Programación y Voces: Juan Pablo Villamizar
Músicos Invitados: Fernando Tobón (Solo de guitarra en Perra). John Barragán (coros en Gusanos y perra)

El viaje de una guitarra

2011-05-18T13:06:00.000-07:00

Guitarra - Andrés Samper

Reseña discográfica por la estudiante María Alejandra Bulla

Compositores colombianos de distintos géneros, épocas y estilos, se reúnen bajo una misma palabra, un mismo lenguaje, un mismo instrumento, un mismo intérprete.

“Guitarra”, una palabra simple, pero que sin duda representa más que seis cuerdas, con su sola presencia nos abre las puertas a más de “mil mundos”.

Con este disco, Andrés Samper nos invita a hacer un recorrido maravilloso por distintas músicas que aunque tienen en común su país de origen, no quieren encasillarse bajo un mismo término; quieren enriquecer la realidad cultural de un mundo que no para de transformarse a cada instante.

“Buscando” (tema compuesto en dos partes), del mismo intérprete y artífice del disco, muestra la entrada a un mundo desconocido, que cada quien se encargará de crear a lo largo de su ejecución. Debo decir que una grata emoción me invadió al escuchar este tema por primera vez, pues no sólo me sorprendió el hecho de que fuera las música que acompaña “Una guitarra, mil mundos” ese programa de radio que nos propone un gran viaje en el tiempo por lugares conocidos y desconocidos a través de una guitarra, sino que su abrumadora belleza, obliga a cerrar los ojos por un instante y dar un vistazo profundo al interior…

Al seguir escuchando el disco, es inevitable sentirse como en casa, temas folclóricos y tradicionales colombianos que aunque estemos acostumbrados a escucharlos al ritmo de un tiple, gaitas o la gran potente voz de una “cantaora”, nuestros oídos siempre estarán dispuestos a oírlos bajo nuevas interpretaciones, y así, la música clásica de occidente se toma de la mano con nuestras raíces más profundas para demostrar que las barreras en la música no son más que un tabú que nace de la ignorancia.

Cuando ya vamos llegando al final de este viaje, no hay mejor manera de cerrarlo que con tres piezas de Antonio Correa, un joven pianista y compositor colombiano de nuestros días que haciendo uso de un estilo poco convencional y con herramientas minimalistas, plantea ambientes, sensaciones, lugares y sonidos, producto de la curiosidad tanto del compositor y del intérprete como quien escucha la música. Diciendo nuevamente que en la música no hay barreras, y no hay que pensarlo dos veces para reconocer debemos a la cultura del mundo lo que somos, y que no existiría el “yo” sin el otro.
Basta con cerrar los ojos y abrir la mente y los oídos para dejarse envolver por los ambientes que propone este disco; que con una guitarra y varios artistas detrás de ella, desafía las leyes de la naturaleza y nos invita a viajar por el mundo en un instante.

Artista: Andrés Samper
Título: Guitarra
Myspace http://www.myspace.com/andressamper

Caída Libre!

2011-05-12T20:31:00.000-07:00

Caída Libre - Jorge Sepúlveda

Reseña discográfica por el estudiante Juan Macías

Caída Libre es un disco grabado por un grupo del mismo nombre en 2008. Este ensamble es dirigido por Jorge Sepúlveda. Sepúlveda se reunió para hacer este disco con músicos con los cuales ya llevaba tocando desde hace tiempo como Juan Manuel Toro, Adriana Vásquez.

Sepúlveda es un músico que recibió cuando era niño influencias de percusionistas de la Costa Caribe colombiana. Al crecer y encaminarse por la carrera de músico profesional, empezó también a vincularse con ritmos del jazz hasta el punto de participar en festivales de jazz nacionales e internacionales. El estilo de Sepúlveda se define como “un manejo del ritmo que está ligado a una tendencia experimental altamente expresivo”.

Podemos entonces ver que Sepúlveda tiene influencias de varios ritmos y estilos musicales nacionales e internacionales, lo cual marca la elasticidad de Sepúlveda al tocar. Esto lo podemos observar en el disco de CAÍDA LIBRE.

Este disco demuestra la facilidad que tiene Sepúlveda y en general todos los miembros del grupo para adaptarse a cualquier tipo de música. Caída Libre utiliza instrumentos tan representativos del jazz como la batería , la guitarra eléctrica y saxos. Pero también a la vez usa instrumentos un poco desconocidos para nosotros tales como el daff que es un tambor de orígen árabe y sobre todo usado en esta misma.

Sin embargo no es solamente la diversidad de los instrumentos lo que hace original el trabajo de CAÍDA LIBRE. Esta originalidad está marcada con las diferentes piezas del disco. Podemos ver por ejemplo que en el tema “Pedro y Marcelita” que Adriana Vásquez, la cantante tiene un timbre muy particular con una melodía un poco pegajosa. Es una voz extremadamente dulce e ingenua que utiliza notas muy agudas, casi de niña la cual se opone al solo de la guitarra eléctrica y a la parte instrumental que tiene sonidos muchos más ruidosos y potentes que hacen pensar en un ambiente estruendoso. Es sinceramente muy interesante esa oposición que se genera entre la voz y la banda. Es un diálogo muy interesante el que se da entre la parte vocal y la parte instrumental.

Otro corte impactante es el primero del disco. Esta pieza se caracteriza por tener un motivo repetitivo. Es una pieza totalmente instrumental, tal vez una de las más jazzeras del disco con una percusión muy compleja cuyos detalles no aparecen sino hasta luego de haber escuchado el disco varias veces. Es una percusión detallista entonces la que aparece en “El riesgo de un Fulano”. Una canción jazzera del disco es “Al rato” que tiene además una percusión muy trabajada.

Podemos ver por otro lado que Caída libre utilizan muchos elementos de improvisación, y de la música experimental incluso, buscando experimentar nuevos sonidos con diferentes tipos de timbre para los instrumentos de viento. Esto lo podemos ver en el tema “Una superficie de fondo” que en una sección importante de la canción utiliza elementos del “free jazz”, y de música experimental.

Otra característica del disco a parte de las ya enunciadas, es la particularidad de las letras, de lo cual hablamos un poco ya con el tema de “Pedro y Marcelita”, pero que aparece en otros como “Un Regalito”y “A que estamos jugando”. Esta particularidad de las letras es primero que todo, que la letra está hecha en español y no en inglés, como la mayoría de la música jazz que es de origen americano. Esas letras están además muy inspiradas por su forma en letras de la música del Caribe, no solo por los temas de las letras y el vocabulario que es muy familiar. Además, podemos ver que Adriana, la cantante no trata de imitar la forma de cantar el jazz que usan los americanos, sino más bien agregarle a ese jazz letras y usar un timbre de voz muy característico de cierta música criolla.
La pregunta que surge al analizar todo esto es ¿Verdaderamente Caída Libre hizo un disco de jazz? No será que es un disco de jazz al cual se le hacen aportes de la música colombiana de la cual tiene tanta experiencia colombiana. ¿O, no será mejor dicho un disco de música colombiana al cual se le hacen aportes de la música jazz?

Para concluir podemos decir que este es un disco muy completo que se ocupa mucho de los detalles que en la primera audición pueden parecer desapercibidos. Por eso podemos decir que este disco es muy perfeccionista, además utiliza elementos de música experimental como hemos visto. Sin embargo la característica más impactante de este disco es que trata de mostrar que la música no tiene fronteras ya que es difícil decir que este es un disco totalmente jazzero al tener muchos elementos típicos de la música colombiana, como la particularidad de las letras , y sobre todo el timbre al que se llega con esta música. Por eso sería mejor decir que este es un disco colombiano, que recibe mucha influencia del jazz, ya que Sepúlveda trata de usar características del jazz no para copiar, sino para aprender y nutrirse con la riqueza de este género. Por último, no se puede decir que este sea un disco comercial que busca vender, sino que es más bien un disco que busca hacer una propuesta completamente alternativa.

Finalmente, para describir este CD nos quedamos con lo que ya hemos repetido varias veces, es decir que este es un CD de música colombiana con una influencia muy marcada del jazz y eso es lo más original de la propuesta de Sepúlveda.

Nombre del Album: Caída libre
Nombre del grupo : Caída libre
País: Colombia
Disquera : Distritofónica.
Año de publicación: 2008

Integrantes del grupo:
:Jorge Sepúlvedo (batería)
:Juan Manuel Toro(contrabajo)
:Jose David Giraldo(guitarra)
:Adriana Vásquez(voz)
:Boris Ríos(voz)
:Marco Fajardo(saxo alto, clarinete
Colaboradores del grupo:
Antonio Arnedo(saxo soprano)
:Sol Suárez (voz)
:Pacho Dávila(saxo alto)
:Ricardo Gallo( piano)
:Germán Sandoval(daff)
:Juan David Castaño(daff)
:Pedro Ojeda(flow)
:Carlos Tabares( trompeta)

http://www.sepulvedajorge.com/

Lemniscaat, Simeon Ten Holt

2011-05-02T17:58:00.000-07:00

Por la estudiante María Alejandra Bulla Clavijo

Als eco (como el eco) … son las palabras quizá más cercanas y apropiadas para describir la sensación de ver y escuchar, incluso sentir, por algo más de una hora, a tres pianistas que estrenaban en Colombia –casi treinta años después de su composición- la obra Lemniscaat (1982-1983), del compositor holandés Simeon ten Holt (n. 1923).

La presentación de la obra fue un espectáculo para los sentidos: Adriana Vásquez, Carlos Taboada y Antonio Correa -quienes en esta ocasión integraron el ensamble Als Eco- interpretaron dos teclados y un piano, en medio de un escenario que integró a músicos y público en un mismo espacio, permitiéndole a cada miembro de la inquieta audiencia, armar su propia visión y versión de la obra por medio de sensaciones, rompiendo así la barrera psicológica que la cultura se ha encargado de crear entre los artistas y su público.

Lemniscaat (en castellano “lemniscata”), es un símbolo para representar lo infinito, y evidentemente, guarda una estrecha relación con la esencia de la obra, pues ésta es infinita en potencia.

Una serie de pequeños núcleos con repeticiones determinadas por el criterio de los intérpretes, dan forma al producto final, lleno de colores y texturas irrepetibles que hacen parte de un instante: “always the same, always different” (Alan Swanson), refiriéndose a la música de Simeon ten Holt. Cada repetición es un nuevo aire, es una oportunidad de evocar un sentimiento distinto de una manera única y personal.

Esta obra, dentro de la vida artística de su compositor, hace parte de su “tercer periodo” que se podría acuñar bajo la expresión “tonality after the death of tonality” (después de haber compuesto dentro de varios métodos, incluso con principios del serialismo), en el cual se dedica a componer para el instrumento con el cual inició su vida como compositor: el piano. De esta etapa de composición también hacen parte obras como Canto ostinato (de la cual cabe resaltar que también fue estrenada en Colombia por el ensamble Als Eco) y Soloduiveldans.

Lemniscaat, es una experiencia integral, es un balance perfecto entre el papel del compositor, del público, y del intérprete, como responsables de un resultado único y personal. Es una oportunidad perfecta para actuar con libertad eligiendo un punto de vista, encontrando una manera propia de interactuar con aquello se está enfrente de los sentidos.

Composiciones

2011-04-30T23:44:00.000-07:00

Valen Bluesss
Por la estudiante Valentina Blando

Valen bluesss by juandavidgarzon

Edmar Castañeda, una experiencia en vivo y en directo

2011-04-27T16:50:00.000-07:00

Por el estudiante Camilo Vélez

¿Quién no ha escuchado un arpa llanera en un trío de Jazz? Es muy poco común, sobre todo en Estados Unidos, donde no se conoce este tipo de interpretación del arpa, y menos en Jazz. El Jazz es el género que muchos dicen ya pasó de moda, que es música de abuelos. Pues déjenme decirles que ningún abuelo soportaría escuchar más de cinco minutos el trío de improvisación de Edwin Prévost. Sin embargo, hay un Colombiano poco conocido en Bogotá, mas es bastante conocido en Estados Unidos y Europa, Edmar Castañeda. Éste virtuoso del arpa, radicado en Nueva York como arpista de Jazz, está a la punta del Jazz contemporáneo gracias a su gran talento en el arpa.

Su trío está conformado por Marshal Gikes (trombón), David Silliman (percusión) y por supuesto Edmar Castañeda en el arpa. Los tres, grandes interpretes, son fácilmente unos de los músicos más cotizados de la escena del Jazz en Nueva York. En mi opinión, la combinación de sonidos como el Joropo en el Jazz es fascinante, sobre todo que el aprendizaje previo de las músicas colombianas de Edmar Castañeda le da una riqueza inimaginable a sus composiciones haciéndolas bastante interesantes de escuchar.

El pasado 9 de abril, el trío de Edmar Castañeda estuvo en concierto en la sala de conciertos de la biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá. Yo tuve el privilegio de estar presente en este increíble concierto. Tres horas antes del concierto ya me sudaban las manos de la emoción de finalmente ver en vivo a este talentoso músico colombiano. Finalmente cuando fue la hora del concierto y salió Edmar, ya estaba calmado y preparado para escuchar el discurso que tenía para ofrecernos.

Durante el concierto todos los espectadores, y me cuento entre ellos, fuimos transportados a distintos lugares fabulosos. Sobre todo, cuando la esposa de Edmar salió a cantar y nos llevó a todos por un viaje por los llanos de Colombia con su impresionante voz.

Apenas se acabó el concierto, Edmar estaba listo para firmar discos y dar autógrafos. Algo que pocos músicos hacen. El concierto ciertamente superó todas mis expectativas. Una cosa es escuchar la música de un artista en Grooveshark, otra es verlo interpretarla, nota por nota, dándonos un discurso musical, argumentando nota por nota, pues está catalogado como uno de los mejores músicos de Jazz de la escena neoyorkina.

Definitivamente, es un músico que vale la pena escuchar y si se tiene la oportunidad, verlo tocar en vivo.

Jóvenes en la música: Cultura abierta a los sentidos

2011-03-07T18:47:00.000-08:00

Por la estudiante María Alejandra Bulla Clavijo

Jazz, clásica, rock, colombiana… son sólo etiquetas para referirse a una sola palabra, un lenguaje, un mundo de sensaciones: la música.

Tener la oportunidad de estudiar música, es poder ver el mundo por el lado “B” de la historia. Es ver que detrás de cada gran acontecimiento que ha marcado a la humanidad, hay un grupo de personas tratando de plasmar su historia en un sonido, en un color, en un instante; es por eso que interactuar con distintos géneros, artistas, corrientes, tendencias desde su interpretación, es vital para la formación de un músico: sólo un panorama amplio y abierto de lo que está sucediendo a nuestro alrededor, nos permite dar nuestra propia visión y versión del mundo… es imposible escribir una parte de la historia sin conocer nuestro pasado. Entrar en contacto con la música, es entrar en contacto con una civilización de la forma más pura: tener la capacidad de interpretar distintos géneros, es adquirir un bagaje cultural que ni miles de palabras pueden aportar. No sólo escuchamos las palabras que el mundo nos quiere decir, también entendemos los sentimientos que un pueblo un día gritó pero ninguna palabra fue capaz de expresar.

Querer entrar al mundo de la música, como jóvenes en un mundo de posibilidades infinitas, no se debe limitar a querer ser el mejor intérprete (sin olvidar su importancia); tocar escalas, arpegios y grandes obras es una cuestión de trabajo y paciencia. La verdadera magia de un artista, es su capacidad de mostrar algo que nadie más podrá hacer por él. Por eso, prepararse para entrar a una carrera profesional de música es un proceso de enamorarse de cada acorde, cada silencio, cada melodía… es entender el por qué de cada uno de ellos, y no tocar algo simplemente porque así lo dice la partitura.

Como artistas en el mundo de hoy, debemos entender que la música es una, y que cuando nos negamos a aprender, o simplemente escuchar cualquier manifestación humana ajena a nuestro contexto cultural, estamos negando la esencia misma del arte.

Seamos artistas siempre jóvenes y dinámicos, vanguardistas de pensamiento. Rompamos las barreras de lo imaginable y demostremos al mundo que la música es un lugar sin banderas ni fronteras, como nos dijo Ricardo Gallo a través de su música… es “tierra de nadie”.

Catalizador del querer mejorar

2011-03-03T20:59:00.000-08:00

Por el estudiante Juan Guillermo Vásquez

Asistir al “5 Week Summer program” de Berklee College of Music, es una de esas experiencias de la vida que nunca se olvidan. No es solo el ambiente de perseverantes, soñadores y genios musicales el que te agarra, sino las oportunidades de aprendizaje, programas y profesores extremadamente experimentados. La vida cotidiana del estudiante en Berklee es indescriptible; no hay nada como vivir en el centro de una ciudad tan magnífica como Boston.

Aquí, cientos de músicos jóvenes del mundo se reúnen, no solo a aprender, sino a mostrar todo lo que tienen. Ver músicos jóvenes de tanto nivel es un fuerte golpe al ego, y un catalizador del querer mejorar. Ningún otro tipo de experiencia te despierta, te da hambre de nivel y logro como lo es ver a aquellos que no duermen hasta alcanzar su objetivo, con resultados excepcionales.

Fueron cinco semanas de intenso trabajo. El pensum del programa dependía del instrumento y el estilo que se escogiera. Yo, por mi parte, estudié guitarra jazz, y mis clases eran:

Musicianship: Entrenamiento auditivo, solfeo.
Music Theory: En mi caso, fue teoría del jazz.
Performance Perspectives: seminario semanal para todo el programa. Conferencias y
presentaciónes de artistas como Paula Cole, y Andrew Bird.
Jazz Lab: Teoría del Jazz aplicada al instrumento.
Clase de guitarra personal.
Ensambles
Composición
Guitar Styles: Clase muy interesante en la que se presentaban diversos tipos de estilos
y maneras de tocar el instrumento: country, rock, pop, fusión, jazz.
Reading Lab: Clase de lectura a primera vista.
Chord Lab: Principios básicos de acompañamineto. Tecnicas de Voiceleading.

La mayor intensidad horaria la obtienen las clases de musicianship y music theory.

A los maestros de Berklee hay que explotarlos. Ellos siempre irán con la intensión de ayudarte a llegar a donde sea que sueñes. El resto depende de ti. Si no hay trabajo constante, a ellos no les importará hacerte mejorar, pero si tú vas con intensión de sacar lo mejor, y pides conocimiento y tienes hambre de logro, ellos sabrán responder de la mejor manera posible. Es cuestión de no tener miedo de preguntar, y pedir, y hablar, dentro o fuera del salón de clases. No se trata de solo aprender conceptos, trucos y técnicas, sino de la vida de un músico exitoso. De esta manera aprendes muchísimo más que asistiendo a clases y haciendo las tareas para volver a Colombia de la misma manera. Toma mucho más que esto llegar a la cima.

Finalmente, hay algo de extrema importancia al asistir a este tipo de programas: Los Compañeros y Amigos! En cierta manera, el músico exitoso depende mucho de sus contactos, y la gente que conoce. En este grupo mundial de más de 700 personas hay un Rick Rubin que podría producirte el disco de tu éxito, o un Pat Metheny que te invitará a tocar con él en Nueva York, o una Madonna que necesitará músicos para su gira mundial, o el Lennon, el Star y el Harrison que te hacen falta para la banda de tus sueños. Conocer gente en estos programas podría ser aquello que te cambie la vida en 10 años.

Este programa es de lo mejor que me ha podido pasar, e invito a que se metan en experiencias de este tipo para ser exitosos.

Lo que necesitamos los músicos colombianos

2011-02-02T19:52:00.000-08:00

Por el estudiante Camilo Vélez

Todo el mundo dice que en Colombia no hay oportunidades para los músicos, que en este país solo se puede triunfar como reggaetonero o tropipopero, que el estado no ayuda a los artistas. Es verdad que en Estados Unidos y en Europa la cultura es una parte muy importante de la educación, por ejemplo en Alemania absolutamente todos los niños deben aprender a tocar un instrumento en el colegio, por lo general violín. Los colombianos no compiten en concursos internacionales porque dicen que los extranjeros son mejores. Pues nos toca bajarnos de ese pensamiento.

Yo tuve la oportunidad de participar en un campamento de verano de música en Estados Unidos el verano pasado. El campamento está ubicado en el estado de Nueva York en un pueblo llamado Oneonta. Me imagino que nadie ha oído hablar de la universidad del pueblo que fácilmente tiene unas de las mejores instalaciones de música del mundo. Pero bueno, lo importante es las personas que van a estudiar allá, solamente para ingresar a la carrera de música necesitan instrumentistas y un músicos excelentes, hay que sobresalir. La razón por la que casi nadie la conoce, es porque se exige un nivel de teoría muy alto, el cual muy pocos norteamericanos tienen, porque la mayoría solo recibe una educación musical enfocada a la interpretación, pero a muy pocos les enseñan buena teoría.

Acá en Colombia, por otro lado, el nivel teórico es excelente, más alto que el de interpretación. Es verdad, que la música al fin y al cabo es totalmente práctica, pero la teoría es necesaria para ser un músico completo, no basta con saber tocar todos los licks de Kirk Hammet. Les aseguro que la gran mayoría de los estadounidenses que tocan un instrumento son muy buenos en ello, pero se necesita ser un excelente músico para poder ingresar a una universidad top de música en Estados Unidos.

Y, ¿A qué va todo esto que les estoy contando? Pues a que en Colombia los músicos también pueden llegar a igualar a cualquier otro músico en el exterior. Por la experiencia que he tenido con otros músicos extranjeros me he dado cuenta de que en Colombia lo que falta es hambre. Esto siempre me lo ha dicho un profesor de la Universidad Javeriana.

El verano pasado cuando estuve en este campamento del que les contaba me di cuenta de que era mejor en teoría, y hasta en práctica que la mayoría de los otros guitarristas que había en el campamento. En Colombia sólo nos falta poner un poco más de nuestra parte para encontrar un equilibrio entre lo teórico y lo práctico, para así poder llegar a tener un nivel internacional. Y sí es verdad que en el exterior hay muchísimo más espacio para la cultura, pero les apuesto a que la mayoría ni saben que en Bogotá hay Jam sessions todos los días de la semana menos los domingos, y que el Ministerio de Cultura abre convocatorias para compositores o músicos con premios de hasta diez millones de pesos, que se declaran desiertas porque no hay suficientes participantes.

Entonces no entiendo por qué no nos ponemos las pilas, empezamos a ir a conciertos todas las semanas, o por lo menos los meses. Entonces nos toca a los propios músicos hacer la escena, pero poco a poco lo vamos logrando y cada vez estamos más cerca de alcanzar un nivel musical internacional.

El documental más completo sobre la historia del Jazz

2011-01-11T13:23:00.000-08:00

El documental, Jazz, A history of America's music, es quizá el más completo y de mayor duración. Es totalmente recomendado. Aquí la playlist de youtube para verlo con subtítulos en español. Esta es la primera parte del primer capítulo para que se enganchen!

Charlie Hunter, 8 cuerdas de poder

2010-10-11T22:46:00.000-07:00

Por el estudiante José Miguel Rodríguez Villada

La vida nos da tropiezos y problemas, nos da golpes en los que a veces sentimos y creemos nunca superar, en la vida hay caminos y cada quien escoge cual caminar, como caminarlo y a donde llegar. Hunter desde muy pequeño vivió en un ámbito musical en donde su madre y algunos familiares le dejaban como herencia este bello arte, el cual con el pasar de los años lo convertiría en un músico innovador, con nuevas ideas musicales e instrumentales.

Su guitarra de 8 cuerdas y sus composiciones es lo que lo destaca. A sus 18 años sale de su ciudad, llega a París donde tocando en las calles descubre que con solo guitarra y los ritmos de siempre no lograría capturar mucho la atención de la gente lo cual, lo lleva a colocar un bajo en su guitarra o como algunos dicen una guitarra en el bajo.

La amplificación de este instrumento funciona de forma independiente en las cuerdas, los bajos y los agudos cada uno con salida para la amplificación, así mismo cada grupo de cuerdas tiene sus micrófonos. El diseño peculiar del mástil y los trastes en forma abanico se hacen para tener una longitud y sonido adecuado en las cuerdas para la interpretación de escalas, se empleo este diseño también pensando en el cambio de las cuerdas. El lutier Ralph Novak se caracterizó por hacer instrumentos de muchas cuerdas, para lograr la perfección de esta guitarra, Hunter y Novak dedican años de estudio y trabajo para llegar a un objetivo final, ofrecer un instrumento que cumple funciones de melodía y acompañamiento, además se logra una propuesta musical en donde interactúa y mezcla géneros, se puede decir que esto se debe a su participación en diferentes grupos con manejo de diversos estilos y ritmos. Durante su trayectoria musical lo destacado en cuanto a géneros en Hunter; Hip Hop con el grupo “The disposable héroes oh hiphoprisy”, Rap con el grupo “Michael Franti´s”.

Algo que causa curiosidad en Hunter son los nombres (algo extraños o simples) de sus discos, el dice que así hace o se inspira para componer, en ideas simples en cosas sencillas, porque según Hunter si se tiene la mente cargada o estresada no saldrá nada bueno, simplemente hay que dejar volar la imaginación y emplear todo lo que nos rodea.

Después de un tiempo Hunter modifica su guitarra quitándole una cuerda, el afirma que el motivo de esto se debe a que sus manos son pequeñas y presentaba dificultades en las posiciones de su mano izquierda, además con las 8 cuerdas el sonido producido por la guitarra era el mismo al de un órgano y cuando quita unas de las cuerdas la guitarra cambia notablemente su sonido, con esto el puedo tocar mas cómodamente en géneros como el blues y el jazz, estos géneros son de agrado para Hunter ya que su madre siempre escuchaba música blues lo cual creó en Hunter un gusto por esta música y que en la actualidad junto con el jazz son los géneros en los que compone si no todas, la mayoría de sus canciones.

Es muy poco lo que se puede decir sobre las ventajas, desventajas, lo que se pueda o no hacer con este instrumento, realmente lo poco que podemos decir, es que es un instrumento que a la hora de tocar, brinda un gran bajo que apoya la melodía de forma constante, dando confianza como dice Hunter, sabemos que el bajo es la base de la armonía, si lo tenemos cerca es difícil perdernos, es una herramienta de guía en improvisación. Se habla de un problema con esta guitarra, cuando se toca solo, se siente muy cómodo, pero cuando se toca en grupo, es difícil hacer un sonido conjunto y agradable, Hunter dice manejarlo, no es fácil, con los años se domina.

La mezcla de varios ritmos y sonidos es algo común en Hunter, en su instrumento se puede ver o deducir la necesidad que tiene el uno con el otro, que cuando son uno solo se recrea un sonido que agrada y además de esto es difícil encontrar, la técnica de estos instrumentos ( Bajo y guitarra), puede que sea muy diferente, aquí son dominadas, se vuelven una sola. Dígase lo que se diga, al escuchar a Hunter con su guitarra, hay sentimientos encontrados, es difícil creer lo que hace, de admirar y porque no de imitar.

Con la historia de este gran músico, podemos ver que por difícil que sea la vida, se puede salir adelante, se pueden seguir nuestros ideales, nada es mágico, todo se da con dedicación, práctica, práctica y práctica. Hay que dejar huella no ser del montón, dar a conocer nuestras ideas, enfrentarnos con el mundo tal y como es y sobre todo vivir por si mismo, no dejar que nadie piense o viva por nosotros, desde lo simple nacen cosas grandes, lo posible está hecho, lo imposible lo haremos. Viva la música y viva la vida.

Ella Fitzgerald, la dama del Jazz

2010-09-04T20:38:00.000-07:00

Por la estudiante Laura Saiz

Nietzsche escribió “oídos nuevos para una música nueva” y Ella Fitzgerald formó toda una nueva generación de oídos nuevos; su solo nombre es toda un revolución, carga el peso de más de cinco décadas en las que estuvo vigente en vida, en las que una mujer y su voz cambiaron nuestra forma de escuchar, de ver, de sentir, de saborear e incluso de olfatear la música.

La música siempre necesita del cambio, de la evolución continua que la hace ser espontánea, nueva y fresca; la música busca al artista. Ella…Ella encontró a la música.

A pesar de las dificultades raciales de la época y de sus problemas personales, Ella afrontó las situaciones que se le presentaron y surgió como la más grande y se quedará en nuestra memoria para siempre, ¿Porque, quién como ella?; no solo su aporte musical, sino también la manera como la percibimos nosotros como audiencia, tan natural, trabajadora, talentosa y sonriente, siempre sonriente.

Existe una gran conexión entre el público y Ella, porque ella no solamente se esforzaba por aparecer con una pieza instrumentalmente rica, sino por que la gente además se sintiera identificada con sus hermosas letras que contaban memorias e historias. Ella quería también demostrar que a pesar de que (según ella y su modestia) le faltara experiencia musical, el solo talento, las ganas de cantar, la facilidad de expresar lo que se siente de momento y la abundancia de creatividad pueden llevar a grandes cosas, desde entretener a un público, hasta transformar un genero, llevándolo a otro nivel con su magnifica imitación de instrumentos a través del scat singing.

Ella es un gran ejemplo de esfuerzo para todos los artistas, ella no tenia la situación a su favor, era mujer y de raza negra, y aún así hizo que las cosas pasaran, ella fue el cambio; anonadada (si alcanza la palabra para expresar el sentimiento) quedaba la gente al escuchar que en su figura corporal pudiera caber una voz tan penetrante y al mismo tiempo tan encantadora.

Su vida era la música, su familia la audiencia, su voz la conoció el mundo entero.

Conciertos PIJ - Comunicados de Prensa

2010-06-22T21:39:00.000-07:00

Rock Y Jazz, Del PIJ para La Hamburguesería
Por el estudiante Juan Guillermo Vásquez

El programa Infantil y juvenil de la Universidad Javeriana estará ofreciendo un increíble concierto en la hamburguesería el próximo sábado 7 de junio desde la 4:00pm, en donde tocarán 6 diferentes ensambles de Rock y Jazz, y una calidad musical de primera.
Allí no solo podrán disfrutar de una música excelente, sino que también pueden ordenar y disfrutar los deliciosos platos y las refrescantes bebidas, que la Hamburguesería puede ofrecer. La entrada es totalmente libre a lo largo de la noche.

El programa Infantil Y Juvenil de la Universidad javeriana, es un proyecto que lleva más de ocho años, donde se han cultivado y explotado jóvenes talentos al máximo, hasta el punto de tener grandes músicos de pequeñas edades capaces de producir una muy buena calidad musical. Entre los directores de los ensambles se encuentran Juan David Garzón (Bajista de Antípoda), Juan David Rubio (Baterista de 1280 almas), Juan Pablo Villamizar ( Ex guitarrista de Juanes), Alejandro Zuluaga, y Daniel Cleves.

INVITAMOS CORDIALMENTE A TODOS LOS MEDIOS DE COMUNICACION A PUBLICAR Y DIFUNDIR ESTE COMUNICADO.

Ensambles de rock y jazz del Programa Infantil y Juvenil de la universidad Javeriana este sábado 5 de junio.
Por el estudiante Camilo Vélez

Los ensambles de rock y jazz del PIJ de la universidad javeriana darán un concierto en el restaurante La Hamburguesería. Este concierto tiene el fin de dar a conocer el trabajo que se ha llevado a cabo durante el semestre y dar a conocer a los jóvenes talentos de la música que hasta ahora se están formando.

El programa infantil y juvenil de la Universidad Javeriana es un programa que reúne estudiantes de colegio quienes quieren iniciar una educación musical. Además de recibir educación teórica, el programa le da a los alumnos la oportunidad de aprender a tocar un instrumento de su selección. Este es un programa que lleva en marcha desde hace casi 20 años. Los ensambles de Jazz y Rock llevan trabajando todo el semestre juntos preparando este concierto. Se invitan cordialmente a todos los medios de comunicación a cubrir el evento.

Descarga el Berklee Music Business Handbook

2010-05-10T11:58:00.000-07:00

Hola a todos! es nuestra misión conocer y aprender lo que más podamos acerca de la industria de la música pues es nuestro campo de acción.

Así que aquí les va este corto libro de Berklee Music para que descarguen de forma gratuita. Es muy ilustrativo y fácil de leer, recomendado.

Descárgalo gratis aquí

También les dejo estos 100 tips para jóvenes emprendedores y un artículo para que vayamos desarrollando un pensamiento Empresarial!

Un saludo para todos y espero que aprovechen estos recursos!

Juanda

¿Qué nos ofrece el campo de la música en el mundo?

2010-05-04T10:40:00.000-07:00

En la actualidad es muy importante conocer y ser realistas frente al campo laboral de la música. Muchos jóvenes son atraídos por las carreras de estudios musicales pero la desinformación y la falta de conocimiento de esta profesión en muchos casos llevan a estudiantes y padres de familia a estar prevenidos frente a esta opción de vida o tomar malas decisiones.

Con la intención de presentar la realidad, las dificultades y oportunidades que ofrece esta carrera al público estudiantil, di una charla en la Pontificia Universidad Javeriana.

Aquí la parte 1 de 4

Chick Corea en Colombia Mayo 2010

2010-04-05T07:36:00.001-07:00

Hola Todos!

Chick Corea, el compositor del famoso tema Spain, se estará presentando en nuestro país el 25 de Mayo en Bogotá en el parque El Virrey, el 26 En Medellín y el 27 en Cartagena. No podemos faltar a este concierto tan importante, es uno de los mejores conciertos de Jazz al que yo haya ido así que es imperdible. Para que se animen aquí les dejo una muestra.

Aquí en su website oficial están las fechas confirmadas:
http://devjoomla.chickcorea.com/concerts/concert-schedule.html

Taller Tilmann Dehnhard para el PIJ Javeriana

2010-03-17T20:44:00.000-07:00

Aquí unos apartes del taller que dictó el maestro Tilmann Denhard en la Javeriana en marzo de 2009. Contar con un músico de tal alto nivel en el PIJ es un privilegio, en entradas anteriores de este blog pueden encontrar vídeos de él en acción y en los links a la derecha encuentran su página web.

Les dejo la dirección de nuestro canal de youtube para ver todas las 5 partes del taller así como el taller que dio para ensambles.

http://www.youtube.com/PIJJaveriana

Satchmo - La vida de Louis Armstrong

2009-09-22T20:00:00.000-07:00

Hola a todos!

Aquí están los 3 primeros episodios del documental Satchmo - La vida de Louis Armstrong. Espero que se entusiasmen a ver el documental completo!

Ep 1

Ep 2

Ep 3

Responder estas preguntas puede ayudar a una mejor comprensión del documental.

1. Cual es el nombre del disco numero 1 de Armstrong en 1964 en Estados Unidos?
2. Cuantos álbumes produjo con los Hot 5 y Hot 7 en 3 años?
3. Como estaba vestido en una de sus primeras películas?
4. En el famoso tema heebie jeebies como fue creado / inventado el scat singing por Armstrong?
5. Cual fue la real fecha de nacimiento de Loui Armstrong?
6. Como se llamaba el profesor de escuela que se dio cuanta del talento de Louis?
7. Quien lo contrató para ir a Chicago por primera vez?
8. Cual era el nombre de su pianista acompañante para grabaciones?
9. Cual es el nombre de su primer Pop Hit ?
10. En cual Cartoon o serie animada participó Armstrong?
11. En cual teatro tocó exclusivamente para público negro como una promesa luego de que a este público se le negara la entrada en uno de sus conciertos años atrás?

Tilmann Dehnhard en la Javeriana

2009-05-17T18:10:00.000-07:00

Tilmann Dehnhard, coofundador del énfasis de Jazz de la Pontificia Universidad Javeriana, está de visita por Colombia y por la universidad! Estén pendientes de los eventos relacionados!

Aquí está uno de sus vídeos, Disfrútenlo!

Aquí pueden ver todos sus videos en Youtube:

Guitar Hero Kid

2009-05-07T10:22:00.000-07:00

Bueno pues él no cota una guitarra de verdad pero realmente es impresionante con Guitar Hero!

Concurso de Shredds!!!!!

2008-09-07T16:27:00.000-07:00

Hola Muchachos bueno para los que les gusta el Rock&Roll!!!!!

Encontré un concurso de SHREDDS que realiza DEAN GUITARS. Para los que no saben, los Shredds y los Shredders son aficionados de los solos rockeros de guitarra que demuestran toda su destreza!!! Aquí pueden ver algunos ejemplos de Jóvenes SHREDDERS y también la dirección del concurso de DEAN GUITARS para que concursen subiendo sus videos de Shredds y participen por un patrocinio de Dean, 10,000 USD !!!!!, guitarras y más!! También los que votan y califican videos del concurso ganan excelentes premios!

http://www.deanguitars.com/shredder/

Fotos Jam PIJ Abril 10

2008-05-01T12:00:00.001-07:00

Da Click sobre la imágen

UN POCO DE CONCIENCIA

2008-04-07T10:11:00.000-07:00

Click en la imagen

Hola Muchachos encontré una causa muy chevere en internet y me gustaría que todos vieran esta corta película acerca de como y de donde vienen las cosas que usamos a diario para así tomar un poco de conciencia de un problema muy serio que debemos afrontar. (Es muy muy buena en serio) Den Click sobre la imagen para ver el vídeo.

La evolución de los instrumentos musicales

2008-04-04T23:21:00.000-07:00

“MAGIC MUSIC GIRL” Y LOS OBJETOS FANTÁSTICOS DE SU IMAGINACIÓN

Por la estudiante Luisa Boada

Los niños tienen una imaginación enorme y a medida que vamos creciendo, nos concentramos en otras cosas que pertenecen únicamente a la realidad, pues a demás de invitar a la gente a explorar las nuevas ideas, quiero invitarlos a que también despierten la imaginación y expongan sus ideas por mas malas que parezcan, ¿quién da esos juicios? Personas con envidia? Tal vez, pero explorar los mares de la imaginación, navegando con piratas, nadando con sirenas y volando sobre pterodáctilos, es una exploración de uno mismo una historia sin fin, que siempre tendrá sentido.

La música ha ido evolucionando a lo largo de la historia, a tales medidas, que actualmente existen sonoridades tan diferentes e incluso, para los que no tienen sus fronteras amplias y dispuestas, son sonidos difíciles y complicados de entender. Una de esta gran variedad de sonidos exóticos lo produce un instrumento tan curioso como nuestra propia época, se llama Reactable, son juegos de formas y colores que representan sonidos a disposición de uno o varios intérpretes. Funciona muy parecido a un sintetizador de los años sesenta, es decir, tiene l misma mecánica. Sin embargo, la exploración de estos sonidos nuevos, con un poco de creatividad, pueden lograr una composición que sonoramente no será una suite de Tscaikovsky, pero la imaginación y la forma de pensar en sonidos distintos que cambian de orden, es prácticamente lo mismo, y me atrevo a decir que la diferencia es que el público no está acostumbrado a escuchar esos sonidos.

Aunque ya hay artistas de talla mundial que han incluido este nuevo instrumento en sus grupos, como Björk en la electrónica experimental, o Herbie Hancock en el jazz contemporáneo, la acogida ha sido muy buena, pero sigue existiendo mucha gente que no conoce nada sobre esto y podría ser un buen llamado e invitación para que se motiven con respecto a las nuevas corrientes, en las nuevas ideas.

Con respecto a lo nuevo, estuve pensando cómo sería mi propio instrumento en un futuro, a lo mejo sea una idea loca y descabellada, o a lo mejor suceda lo que le pasó a Julio Verne (escritor Francés del siglo XVIII), contando cuentos con objetos voladores y animales extraños, que terminaron siendo historias que predecían muchos factores que luego sucedieron realmente…

El saxofón alto, ¿qué será de este atractivo instrumento en unos años?
En primer lugar, se fusionará con los otros saxofones, el soprano, el tenor y el barítono, o sea, tendrá un registro mucho más amplio y no habrá necesidad de contratar varios intérpretes, sino uno o dos, su sonoridad será muy diferente, pues la campana deberá tener un tamaño estándar y el instrumento también, además las llaves no tendrán mecanismos de palanca, sino serán botones digitales representados con colores pre determinados, así que nunca sonará como alguno de los cuatro anteriormente nombrados, sino una fusión de los mismos, incluyendo un sonido moderno y acorde con la música que sonará en ese entonces.
Por otra parte, tendrá uno sensores de proyección, y por la campana saldrán hologramas de los colores que representen estos sonidos, así será más fácil y estético para el público y para uno como intérprete entender la música, el jazz y los nuevos sonidos que a veces no son bien recibidos. La composición de estos colores y el juego de imágenes con éstos, será obra del público, pues como cada uno interpreta lo que oye y lo que ve de manera distinta, éste sensor de saxo estará comunicado con otros sensores paralelos que estarán a disposición de cada mente, entonces cada individuo, inconscientemente estará viendo imágenes diferentes que las que ve el personaje que se encuentra a su lado, entonces el público estará contento porque ve algo que entiende en su propio lenguaje mental, por lo tanto, será una auto estimulación producida por sonoridades externas, imaginada por sí mismo, será un éxito de espectáculo.

Esta es una vaga y poco estructurada idea de millones que se pasan por mi cabeza, como cuando la comodidad me invade y pienso en el “saxoméstico”, es el multiusos; me transporta, me cocina, escribe por mí, o simplemente me acompaña a estar sola cuando quiero que funcione sólo como un saxofón convencional. O cuando me acolita mis locuras de ser súper heroína donde me creo la súper “music girl” y pretendo salvar al mundo de las guerras, la codicia y la envidia, para transportarla a un nuevo capítulo de música y felicidad, donde cada uno tenga su propia identidad y todos sean buenos. En fin, es tan versátil nuestra imaginación, que hay momentos en los que a nuestra razón y a nuestros esquemas de “buen” comportamiento, le parecen absurdos y chiflados, tildándonos como tal, incluso nos critican y humillan hasta dejar a un lado lo único que verdaderamente nos pertenece, la imaginación y la esencia de cada uno.

Por

LUISA BOADA BAYONA

El instrumento y la música del futuro?

2008-03-28T12:50:00.000-07:00

Recientemente, investigadores del Music Technology Group - Pompeu Fabra University - Barcelona, han trabajado en un instrumento musical experimental muy interesante, este se llama el REACTABLE. Esta entrevista habla en detalle sobre el instrumento. Aquí está la página web oficial.

Bien, quiero que revisen muy muy bien la página, que lean los documentos que están en pdf, que vean todos los videos y las imágenes para que entiendan el funcionamiento de este instrumento. (en esta pagina hay una pestaña que dice related, quiero que revisen la totalidad de estos nuevos instrumentos que allí aparecen)

Aquí pueden ver la totalidad de los videos del REACTABLE que aparecen en youtube:

Luego de ver y leer lo anterior podríamos hacernos varias preguntas:

¿Cómo podría evolucionar tecnológicamente el instrumento que actualmente toco?
¿Cómo se podría involucrar este tipo de instrumentos en el jazz y cuáles serían sus implicaciones?
¿Cómo se han trabajado hasta el momento estas sonoridades e instrumentos en el jazz y quien lo ha hecho? (así como bjork en la electrónica experimental con el REACTABLE)
¿Cómo inventaría o diseñaría yo un nuevo instrumento musical?

Hacer esta reflexión puede ayudar a expandir las fronteras musicales y ofrece nuevas posibilidades en la propia búsqueda musical.

Vuelve el JAM PIJ

2008-03-24T01:31:00.000-07:00

Después del periodo de vacaciones, se abre de nuevo el espacio más importante para la interacción musical de la Universidad dirigido a toda la comunidad PIJ.

El JAM es un evento (fiesta) que se ha dado de hace más de 100 años y hoy día se cuanta con estos espacios en casi todas las ciudades del mundo, en donde músicos de todas las tendencias se reúnen sagradamente a tocar con gente que conocen y que no conocen, creando música en el instante. Esta es una excelente forma de adquirir experiencia en vivo, hacer nuevos amigos, pasarla muy bien y perderle el miedo al escenario ya que aquí nadie juzga pero si ayuda, todos estamos en el mismo nivel.

Los Jams serán abiertos cada semana por una agrupación diferente de distintos géneros (esperamos el interés de las bandas del PIJ) y contaremos con la fortuna de tener en este espacio, la presentación de las más importantes agrupaciones de JAZZ de la ciudad, así como los ensambles de carrera de la universidad. También tendremos como invitado especial para el Jam, al maestro invitado de saxofón de Alemania en la Javeríana, quien va a dar una charla y una muestra de su música.

TODOS LOS JUEVES DE 6PM - 8:30PM
SALÓN 101 FAC. ARTES PUJ
TRAIGAN SUS INSTRUMENTOS Y PAPELES.
Todos los géneros están invitados.

Las inscripciones ya están abiertas para todas las agrupaciones de PIJ obviamente, (sin importar genero) para programar las aperturas de cada JAM (por lo general 3 canciones más o menos) con migo Juan David Garzón: bassgarz@gmail.com o escribiendo al facebook también.

Un saludo para todos y esperamos verlos el próximo jueves.

JD

Reseñas de Kind Of Blue de Miles Davis

2007-10-01T18:56:00.000-07:00

Kind Of Blue
Por el estudiante Sebastián Arbelaez

Siempre he escuchado a Miles Davis con gran interés ya que además de haber sido un gran músico, fue uno de los compositores más importantes e influyentes del jazz. Él experimentó varios campos llevándolo a un momento de fusión con otros géneros, lo cual fue muy importante para alguna música que hoy en día es escuchada.

He escuchado algunos de los discos de Miles como: Miles Ahead, Bluebird, entre otros; pero nunca había escuchado Kind of Blue del cual me habían hablado muy bien; me dijeron cosas como “si no ha escuchado ese disco, no ha escuchado a Miles”. Más tarde enterándome que era una obra muy importante para la historia del jazz comencé, desesperadamente, a buscarlo. Cuando por fin lo tuve en mis manos, lo coloqué en la grabadora y lo puse a reproducir.

El disco empieza a sonar con tres notas del contrabajo, la tercera alternada con una nota del piano, luego el tema principal, seguido por el solo de Miles en la trompeta, después entran los solos de un saxo alto y un saxo tenor y luego el contrabajo acompañado por el piano, es cuando me doy cuenta que no puedo parar, sintiendo una enorme tranquilidad.

Cuando la canción finalizó, miré en la caja el nombre de la canción, se llamaba “So What” nombre que me encantó debido a que mientras escuchaba el tema, todo el resto del mundo me importó muy poco.

En realidad mientras escuchaba todo el disco el mundo me importó muy poco; esas improvisaciones de los vientos Miles Davis, en su trompeta, John Coltrane, con su saxo tenor y Julian “Cannoball” Adderley, tocando el saxo alto, rompiendo el aire haciendome sentir una libertad absurda, Paul Chambers que con su contrabajo me hacía caminar en una frescura increíble y la precisión de Jimmy Cobb en la batería haciendo que marcara un pulso con mi mano contra mi muslo casi sin control.

Cuando empezó “Flamenco Sketches” un tema realmente nostálgico, un cúmulo de sensaciones y recuerdos comenzaron a rondar por mi cabeza, poniéndome a pensar en lo bien puestas que están las notas en cada uno de los temas.

De repente me doy cuenta de que había transcurrido algo más de una hora. Una hora llena de recuerdos y sensaciones. Una hora donde se viven los 50’s y los 60’s Una hora de

libertad y tranquilidad. Una hora de puro jazz modal. Una hora de algún “tipo de azul”.

Kind of Blue es un disco que realmente hay que escuchar ya que aparte de que es un icono del jazz y el iniciador del jazz modal, simple pero muy completo, hace sentir miles de sensaciones al tiempo y sobre todo que uno puede ser un muy buen interprete del jazz.

Mi Miles: Una Especie De Azul

Por el estudiante Felipe Osorio

Miles, Miles, Miles…

¿Como empezar una reseña del Kind Of Blue sin divagar en la niebla que se crea alrededor de la idea de Miles Davis?.

Habrá otros que tendrán una idea firme sobre lo que es Miles, yo creo que me amputaron la capacidad de tenerla. Al oír el Kind Of Blue caigo en esa niebla que al son de una trompeta se me vuelve más densa hasta ser casi un muro y caigo luego de estrellarme contra la última nota de Flamenco Sketches, quedando con un chichón en la cabeza y sin palabras.

La niebla es impenetrable y hostil, pero deja un sabor en la boca como de mango biche, deja esa sensación de dolor-placer que tanto encuentro en el jazz, sumado al sentimiento de trascendencia.

Tras cada tema que pasa se siente el dolor por la perdida de esta, el añoro de haberla tenido y la preocupación de que no duró lo que debería.

Pero claro, como podría tener un final satisfactorio algo que simplemente no puede morir o terminar, así como el mismo Miles, cada vez que alguien se interna en el disco crea su propio Miles, hay tantos Miles como pares de orejas, quizás viceversa, ya que cambió la música que existía hasta entonces, creando nuevas orejas para ella. Cada quién coge su Miles y lo prueba, lo mastica y lo saborea de la forma en que más le plazca hasta tragarlo haciéndolo parte de si. Miles dejó de ser persona hace ya un buen tiempo para convertirse en símbolo y evoca a ese pequeño miles que vive adentro de cada uno. Se ha vuelto una institución universal.

No seria más que accesorio llenar este intento de reseña de fechas y de anécdotas de Miles para llenar la pagina y hacer mas sencillo el camino para no pagar hamburguesa. Pero seamos honestos nada tiene que ver el día en que salió el disco con lo que me da este y sinceramente no me importa al lado de esto, no necesito decir que marcó el nacimiento del jazz modal, no nececito decir quien fue Miles, basta con decir que marca el nacimiento de algo interno, en mi chichón y en mi silencio, algo que realmente ahora no comprendo, algo que por ejemplo no siento con Hancock o con Coltrane, con quienes siento mas cercanía de alguna forma, aunque probablemente haya escuchado más de Miles que de ellos.

Sin duda es un disco impactante, sublime y que trascenderá a lo largo de los siglos como lo hicieron las composiciones de Bach. Probablemente nunca será olvidado, o al menos se que yo no lo haré.

Tengo un chichón que me lo recuerda.

ESTUDIAR MÚSICA HACIENDO MÚSICA

2007-07-30T22:36:00.000-07:00

Por el profesor Juan David Garzón

Muchas veces a los estudiantes de música se les enseña este arte desligado de la música misma, y este es un grave error porque aprenden los rudimentos técnicos y teóricos pero no aprenden a dar sentido musical ni a expresar ideas en su música.

Hoy en día se ve un fenómeno en las escuelas formales de música: los estudiantes se concentran en dominar sus instrumentos y en entender la teoría, pero nunca se habla en clase acerca de cómo generar una expresión artística, o qué herramientas musicales ayudan a exponer una idea extramusical. Por esto se escuchan incontables horas de escalas sin sentido, que van de arriba abajo en los espacios abiertos de estas escuelas. Estamos enseñando a nuestros estudiantes a incorporar los conceptos de manera mecánica.

Este método de enseñanza, con el que los maestros aún nos sentimos cómodos, hace que el estudiante se concentre tanto en entender los conceptos o en desarrollar cierto tipo de técnica para abordar uno u otro instrumento que, de hecho, muchas veces se pierde contacto con la música, y el estudiante, por estar tan concentrado en él mismo, deja de ir a conciertos, deja de escuchar música, se olvida de disfrutar mientras toca, se preocupa más por sus intereses que por los de su público, le interesa más demostrar su habilidad técnica que expresar una idea. De esta forma muchos estudiantes dejan de conocer nuevas perspectivas y se quedan en lo mismo por siempre, en su propio mundo.

Por lo general los jóvenes estudiantes de música quieren desarrollar a toda costa la máxima velocidad posible con sus instrumentos y dedican gran parte de su tiempo de estudio diario a trabajar sobre ejercicios de velocidad. La pregunta es, ¿porqué es tan importante para los jóvenes músicos este aspecto? Es probable que los maestros tengamos cierto grado de responsabilidad en este grave error, porque los jóvenes creen que en los concursos y competencias de música los jurados quieren escuchar velocidad y destreza, es aquí donde existe un problema de falta de información. También está la presión del público, pues este aplaude y apoya las demostraciones de virtuosismo. Pero el estudiante no es consciente de que la velocidad en el instrumento debe ser el resultado de la madurez musical y que esta solo se alcanza cuando se domina la quietud y la lentitud. Es así como muchos pierden incontables horas al trabajar en ejercicios técnicos que no se estudian de manera musical, y el estudiante queda estancado en los mismos errores cada vez porque no comprende que debe solucionar la velocidad desde la lentitud y la comprensión artística de la música.

Otro terrible error que se ve con frecuencia es el del estudiante que se obsesiona con el estudio y se aísla del mundo para estudiar, pero no se da cuenta de que ya no escucha música ni asiste a conciertos por estudiar conceptos o rudimentos. Dedica muchas horas de estudio poco efectivo pues todavía existe la noción en el imaginario del músico de que entre más horas se estudie mejor. Pero esto no es así, lo importante es que el estudio tenga una metodología y sea muy preciso y efectivo, de esta forma en poco tiempo se puede avanzar mucho. Mientras los estudiantes no entiendan esto, seguirán viviendo en un error sin darse cuenta de que la única forma de hacer buena música es vivir, pues la música dice lo que uno es y lo que conoce. Es vital dedicar una porción de las horas de estudio a escuchar música y a asistir a conciertos.

Como ya se ha mencionado, una metodología organizada y enfocada de estudio es indispensable, pero en los centros educativos al estudiante solo se le provee de mucha información y no de una metodología para entender e interiorizar la misma, por esto se pierden muchos datos importantes. Es preciso construir un método de estudio entre maestro y alumno que se adapte a las necesidades particulares de cada estudiante y que esté íntimamente ligado con la música o genero en el que se está haciendo énfasis. Al fomentar el estudio en grupos, el estudiante se hace más consciente de sus fortalezas y debilidades. Al enmarcar el estudio técnico en un genero, por ejemplo estudiar los ejercicios técnicos sobre los discos, el estudiante se acerca mucho más al estilo y mejora su dicción. Al trabajar con una sólida guía de audiciones, nuevas influencias enriquecen el lenguaje. Cuando maestro y alumno trabajan en conjunto y se convierten en compañeros de estudio, ambos encuentran sus fortalezas y debilidades en el otro. Cuando se aplican los conceptos aprendidos en composiciones, el estudiante gradualmente aprende a fusionar de manera balanceada el aspecto artístico y el técnico.

La única forma de lograr una verdadera expresión artística, al mismo tiempo que se trabaja en la parte analítica, técnica y teórica es establecer un contacto real con la música. Como en literatura, no solo se aprende la gramática y la construcción, sino también se debe trabajar en la forma lógica de exponer las ideas al relacionarse con otros autores y obras.
Una inmersión comprometida en la música, asegura un real progreso y comprensión de esta forma de arte.

materiales para las clases de Teoría Jazz

2007-07-30T22:15:00.000-07:00

-lista tillman
-lapiz y esfero
-disco kind of blue
-instrumento (Menos piano)

EN LA BIBLIOTECA PUEDEN ENCONTRAR:
(Sala de Música)

Tilman´s List - En la carpeta de Apreciación Jazz PIJ prof: Juan David Garzón
CD con más de 14 real books en PDF
CD de Play-Alongs de la Tilman´s list
CD para ensamble blues - Gospel
Lista de músicos de Jazz por instrumentos - En la carpeta de Apreciación Jazz PIJ prof: Juan David Garzón
Además de todo el material para cada instrumento

Aprovechen la biblioteca de la Javeriana pues tiene muchísimo material.

Sobre el Blog

2005-06-20T18:21:00.000-07:00

La idea general del blog es abrir un espacio en Internet para publicar las ideas, pensamientos, proyectos y producción intelectual de jóvenes estudiantes de música en torno a diferentes temas relacionados con el jazz y la música moderna en nuestro país y el mundo, estableciéndose como un blog dedicado a la música y la cultura abierto a cualquier lector que quiera obtener la visión periodística de un músico.

Se trata de generar un movimiento, un colectivo de jóvenes que piensan, que debaten, que se preguntan y se plantean una postura crítica frente a la música. Pensando en el futuro musical de nuestro país, si los jóvenes artisitas conocen su pasado y se mueven en un colectivo que no se queda quieto y que propone nuevas formas de abordar la cultura y el arte, es posible que seamos una potencia a nivel global en esta materia.

El blog hace parte del área de música popular del Programa Juvenil de la Pontificia Universidad Javeriana, como un proyecto personal de su coordinador, el profesor Juan David Garzón. Motivado por la importancia de socializar el trabajo de sus estudiantes y generar un pensamiento crítico en los mismos, a partir de la discusión de temas como; el futuro de la música y sus géneros, el estado de la escena del jazz en Colombia y la historia de la música popular en el mundo, el blog se presenta como un medio ideal para plasmar estas ideas en la web.

Llevar a los jóvenes a la reflexión, a encontrar diferentes puntos de vista frente a un tema particular y a producir trabajos de su autoría, es un trabajo pedagógico muy importante para fortalecer la práctica musical de la nueva generación de artistas, músicos y profesionales de diferentes campos que trabajan en esta materia. Fortaleciendo en ellos todas las competencias extra-musicales que debe tener el músico de hoy día.

Haciendo uso de un recurso conocido como Webquests, en donde se plantea una metodología de investigación en Internet que busca llegar a un producto final original, llamativo y crítico, se busca que los resultados y proyectos que se publican en el blog sean el fruto de opiniones bien fundadas y documentadas. Para esto, se usan actividades como realizar reseñas de discos, elaborar los comunicados de prensa de sus conciertos, analizar documentales, realizar debates en torno a nuevas tendencias musicales, discutir artículos, socializar actuaciones en vivo a través de vídeo en redes sociales y presentar trabajos académicos y musicales en línea.